Eh bien, je pickle mes noix! Vasseur Baltic Artists Award 2022 – bilan | De l’art

Eh bien, je pickle mes noix!  Vasseur Baltic Artists Award 2022 – bilan |  De l’art

Pchatouiller n’est généralement pas considéré comme une forme d’art. Mais deux des trois artistes de Vasseur Baltic brassent : Ima-Abasi Okon pour explorer les avantages probiotiques de la fermentation et Fernando García-Dory pour présenter les capacités de décapage d’une entreprise d’intérêt communautaire local. Le tas déshydraté et emballé sous vide de ragoût de queue de bœuf avec bonnet écossais, ashwagandha, crinière de lion et tulsi est empilé sur une chaise en rotin, tandis que des bocaux de produits du Pickle Palace tapissent les structures en bois de l’installation de García Dory.

Vraisemblablement, le décapage n’était pas au sommet de l’agenda des artistes car visuellement ce n’est pas très réussi. Bien sûr, la pile d’Okon est un tas de viande et de tripes intrigant, juteux et viscéral, mais les bocaux de García-Dory rappellent un week-end errant dans Sainsbury’s. Le Vasseur Baltic Artists Award – un prix sur deux ans de 25 000 £ (plus 5 000 £ de compensation d’artiste) offert à trois artistes émergents, jugés par trois autres artistes – regorge d’idées. Des idées merveilleuses et provocatrices qui remettent en question comment la culture et la nature se croisent, comment la terre peut unir les communautés, comment la vie peut être préservée. C’est intéressant, mais ce n’est pas contraignant.

Oeuvre de Fernando García-Dory.
Oeuvre de Fernando García-Dory. Directeur de la photographie : Rob Harris

Cependant, intéressant est toujours un mot important quand on regarde l’art. García-Dory fait un travail exceptionnel en nous présentant une ferme de la région des lacs qui cherchait des moyens de se diversifier et de s’éduquer ; une université interdisciplinaire des arts de la voile qui a défié les sites urbains habituels de la production artistique ; et les Freemen qui protègent Town Moor, un espace vert au centre de Newcastle upon Tyne.

En 2009, García-Dory fonde Inland, un collectif dédié à la production agricole, sociale et culturelle où la création d’expositions est aussi importante que la production de fromage. Par conséquent, la présentation de l’artiste est un musée d’organisations qui utilisent le making pour interagir avec le monde naturel et construire des communautés. Les étagères contiennent des pains de savon provenant d’une ferme du nord de l’Angleterre, des abat-jour tricotés à partir d’illustrations créatives et botaniques locales du naturaliste John Hancock. À côté, il y a des photographies de moutons broutant dans le centre de Madrid, un bus qui se double d’une galerie d’art et le théâtre mobile de Federico García Lorca. Malgré cela, je n’arrive toujours pas à me débarrasser de l’impression d’être dans une boutique branchée et minimaliste.

Au contraire, Okon a un grand espace vide. Vide à l’exception des certificats d’artiste en hygiène alimentaire, manipulation manuelle et sensibilisation aux allergies alimentaires, de la licence musicale de son morceau sonore et de la basse tremblante émanant d’un haut-parleur Leslie dans la pièce voisine. La documentation permet à l’artiste de servir la queue de bœuf susmentionnée comme nourriture et de jouer une piste audio vissée.

Attirés par les rythmes entraînants, nous entrons dans le deuxième espace d’Okon, où la chaise pivotante en rotin empilée avec une queue de bœuf est devant le haut-parleur en bois dur décoratif. Il y a des traces d’invisibles partout : les certificats de travail dans la première salle vide, la chaise comme si quelqu’un venait de sortir, les intertitres qui se lisaient comme des transcriptions muettes. Okon avait fait des recherches sur les méthodes de soins palliatifs, et les figures fantomatiques m’ont fait penser à mon cocon charnu et à ses capacités de fermentation une fois moi aussi parti.

Œuvre d'Ima-Abasi Okon, 2018.
Œuvre d’Ima-Abasi Okon, 2018. Photographie : © Ima-Abasi Okon. Courtoisie de l’artiste.

Parfois, cependant, j’ai envie d’être frappé par une œuvre d’art, frappé sur la tête si fort que mes yeux sont grands ouverts et que mon cerveau est silencieux, ce qui est exactement ce qui se passe en présence du travail de Laleh Khorramian dans l’espace. . D’énormes pans de tissu s’élèvent, superposés d’imprimés et de matériaux et dansant avec la couleur. De petites boîtes lumineuses perforées avec des filtres vibrants rampent sur le mur et une impression translucide géante crée un vitrail. Intitulée Fontanelle, de la fente douce dans le crâne d’un nouveau-né, la grande impression monotypique est placée sur ce qui était autrefois un mur du fond et a été retirée pour révéler une fenêtre. Khorramian crée des monotypes en appliquant de la peinture à l’huile sur du polypropylène ou du verre et en la transférant sur du papier. L’effet est organique et surprenant, produisant un kaléidoscope de formes inconnues.

Pendant la pandémie, Khorramian a fabriqué des milliers de masques pour les nécessiteux, et les restes de tissu grimpent sur ses tapisseries comme des épines. Et, avec des noms comme Glass Person, Jag Lady et Totem of a Deity, ses bannières du sol au plafond se transforment en individus vénérés dans un temple de la renommée futuriste où nos héros recyclent et enfilent des vêtements. Finalement, Khorramian apparaît et m’offre un morceau de chocolat noir. Peut-être que le sien était le monde post-Covid dont je rêvais.

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